Les demoiselles d'Avignon

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A gauche une femme long cheveux noir de profil, œil droit représenté de face. Sa main s’appuie sur une paroi ou retient le rideau. Certains pensent qu’il y a une autre femme. On distingue une jambe (droite ou gauche ?) qui se confond avec le rideau. Sa position tournée vers la droite nous invite à regarder le centre du tableau

Une autre femme nue, longs cheveux noirs est représentée de face mais son nez est de profil. Son bras droit est relevé et plié derrière la nuque. Sa main gauche retient un pan de tissu couvrant une partie de sa cuisse. Est-elle assise sur un tabouret ?

Au centre du tableau une autre femme fait face et semble aussi nous regarder. Ses bras sont levés croisés derrière la nuque cheveux noir coiffés en chignons haut.

Son nez est aussi représenté de profil.

Elle semble se tenir en déhanché avec une étole qui couvre ses cuisses et pubis.

Partie à droite :

2 autres femmes avec des visages inspirés des masques traditionnels africains. Lorsque les masques africains montrent des yeux disproportionnés ils cherchent à traduire un pouvoir magique.

Picasso retient l’idée d’un art qui est habité par des forces, des énergies. Il ne cherche pas à imiter les yeux de quelqu’un, il veut montrer la force du regard.

La femme du fond, bras levés, semble retenir un rideau comme si elle venait de rentrer en scène ou tel un diable qui sort des ténèbres, du vice de la prostitution. Elle a un œil horrible tout noir comme si elle était borgne (rappelle La Celestina)

Devant elle une dernière femme nue est assise accroupie. Son corps représenté de dos mais son visage est de face. Il s’appuie sur une main difforme. Cette position est plutôt provocatrice. Pour le peintre on peut découvrir la réalité de ce corps sous de multiples points de vue (de dos et de face).

3/ Conclusion

Picasso reprend un thème classique :

le groupe de nu qui célèbre la beauté du corps.

Mais Avec cette peinture il a envie de nous raconter autre chose que ce qu’il voit. Pourquoi peindre un corps tel qu’il est puisque l’on peut désormais le photographier ?

Picasso devait s’interroger sur la beauté des femmes : belles mais monstrueuses car parfois source de malheur (cause de suicide de son ami Carlos Casagemans).

Par opposition à l’idée de vice et de tentation l’intention de l’auteur est de représenté également des Muses, sources d’inspiration des artistes.

Ces 5 prostituées sont des icônes sexuelles géantes, des déesses angoissantes. Le poète écrivain et critique d’art André Salmon évoquera le tableau sous l’appellation « le bordel philosophique ».

Picasso bouleverse la peinture du début du XX eme Siècle car il rompt avec la tradition de l’imitation de la nature héritée de l’antiquité grecque.

Il peint ce que l’on conçoit et non ce que l’on voit.

L’éclatement géométrique des personnages est perçu comme une violence infligée au corps humain.

Les corps représentés de cette manière accentuent la brutalité de leur nudité, dégagent une force neuve et agressive :

- Les corps ne sont pas réalistes

- Dimension surhumaine 2.20 m

- Corps fragmentés en surfaces géométriques (rond, triangle..)

- Pas de respect des proportions, ni symétrie des corps

- Yeux trop grands, non alignés

Les corps soulignés par du noir et du blanc formant des angles vifs et acérés accentuant la déstructuration. On dirait des corps mutilés, déshumanisés.

C’est une des premières explications du scandale provoquée par le tableau.

Picasso ne fait que rarement poser :

90% de ses toiles sont faites de mémoire

Ce qui implique une vision abstraite de ce qui reste, de ce qui a marqué son esprit. Il globalise l'être humain dans sa totalité, corps et esprit, et traduit son sentiment à un moment précis. C’est un mélange entre tout ce qui environne Pablo Picasso qui va émerger dans cette œuvre.

(Diaporama des artistes qui ont influencé la réalisation des demoiselles d’Avignon)

Quand Picasso le fait découvrir à ses amis le tableau sera mal compris et pendant 9 ans il le gardera caché.

Ce n’est qu’en 1916 au salon d’Antin que le public découvrira l’œuvre.

L'œuvre a été acquise par le Museum of Modern Art, situé à New York, en 1939.